DE LA ELECTROACÚSTICA A LA INFORMÁTICA MUSICAL

el arte de la síntesis de sonidos.

Los términos de informática musical, música por ordenador o música electrónica no deben plantease o estar disociados del de  “la electroacustica”, ya que estos son neologismos, que surgen a lo largo de la historia, para intenta nombrar nuevas formas de producir y organizar el sonido. Pero ahora por medios no acústicos / sin los instrumentos tradicionales.. 

A estos sonido generados por medios no acústicos, es decir, sin frotar o pinzar una cuerda, sin golpear objetos o sin hacer vibrar una lengüeta por el paso el aire de un instrumentista se llamará “síntesis de sonido”.

Pero lo que une a todos esos términos es la «electroacústica».

La electroacústica se ocupa del estudio, análisis y diseño de dispositivos que convierten energía eléctrica en acústica y viceversa, así como de sus componentes para realizar lo que llamamos “síntesis de sonidos”.

Así pues:

Música electrónica – Es la creación de sonidos y frases musicales con un objetivo y cuyo instrumento principal son aparatos electrónicos capaces de sintetizar sonidos.

Música por ordenador (música computacional) – Es la creación de sonidos y frases musicales con un objetivo estético y cuyo instrumento principal es un ordenador a través de su software y hardware.

Informática musical – Es el aprendizaje del uso de software en un ámbito musical.

El siguiente artículo representa una pincelada a grandes rasgos de la historía y estéticas musicales más influyentes desde los inicios de la “Síntesis”.

¿Qué nos proporciona la eletroacústica?

Principalmente, con la creación de nuevas herramientas para producir sonidos aparece la posibilidad de crear una paleta de tonos ilimitada. Al mismo tiempo, es una nueva puerta que invita a salir del sistema temperado que proporcionan los instrumentos tradicionales como el piano, e anima a los compositores a explorar un sistema microtonal.

Igualmente, es fascinante darse cuenta que cuando surgieron los nuevos instrumentos electroacústicos eran capaces de generar sonidos que en ningún otro momento de la historia de la humanidad se habían escuchado antes. Eso permitia explorar nuevas formas de interacción musical, liberando al compositor y al músico de la “tiranía” del teclado del piano y el sistema temperado, como ya hemos dicho.

De la experimentación a la imitación musical

En un principio, los pioneros como Jean-Baptiste Delaborde (France, 1759), fueron sensibles a su entorno e introdujeron, en un entorno musical, herramientas que en un principio estaban destinadas a otra función. Así es como surgió el primer “Clavecín eléctrico”. Aprovechó un mecanismo basado en un dispositivo de campana de advertencia utilizado en los primeros laboratorios eléctricos que advertian a un experimentador de la presencia de una carga eléctrica. Así pues, configuró un instrumento con ocho campanas que permitía generar una serie de notas sostenidas similar a un órgano.

Clavecín eléctrico de la biblioteca nacional de Paris

Tendríamos que esperar a 1895 para que Thaddeus Cahill presentara la primera patente para su Telharmonium «El arte y el aparato para generar y distribuir música eléctricamente». 

Anteriormente existieron una gran cantidad de experimentos sonoro, pero el “Telharmonium” puede considerarse como el primer instrumento musical electrónico importante. Fue un método de sintetizar y distribuir música electromagnéticamente a través de las nuevas redes telefónicas de la América victoriana. 

Telharmónium de Thaddeus Cahill – 1895

Antes del “Telharmonium”  y en la misma linea de transmisión de sonidos por redes de teléfono, en París, Clément Ader creó el “Théâtrophone», un tipo de transmisión de audio binaural o estéreo de música y teatro en 1881, que funcionó hasta que fue reemplazado por la radio en 1931 y, de manera similar, en Londres en 1895, el servicio “Electrophone” distribuyó música. hall y música ligera para una audiencia de suscriptores.

“Théâtrophone» de Clément Ader en 1881

En 1922 parecería el Theremin y en 1928 las “Ondes-Martenot”

Claro de luna interpretado con un Theremin
Revisión actualizada de las Ondas Martinot

Aunque se experimento mucho sobre esta clase de instrumento electrónicos, finalmente fueron condenados como un fracaso debido a la enorme presión comercial sobre los diseñadores. Se les pedía instrumentos para que proporcionaran simulaciones de instrumentos ya existentes en una escala moderada para la música popular.

La creación de esta clase de dispositivos y su concepto sobrevivió hasta la década de 1960 en donde aparecería la música experimental “seria”, la cual asentaría las bases de la música electrónica hasta la aparición del Moog y los sintetizadores modulares de Buchla.

Del Futurismo al Posmodernismo para llegar a la Música Experimental.

De origen italiano, el futurismo se trata de un movimiento artístico que surge en 1909 y está vinculado a las artes como la literatura, la pintura, arquitectura, el cine y a la música, y que buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte.

Este movimiento tenía como postulados: 

  • La exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero
  • La adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Si bien surgió de la mano de Filippo Tommaso Marinetti y el músico italiano Francesco Balilla Pratella sería el autor del Manifiesto de los Músicos Futuristas (1910). Para ellos la música es un universo sonoro de movilidad incesante y que había que conceder mayor importancia a los ruidos de las fábricas, de los aeroplanos, de los trenes y de los transatlánticos. Según él, la obra musical había de estar dominada por la máquina y por la electricidad. 

Sus ideas rompían radicalmente el tipo de concepción musical hasta ese momento.

Para los músicos futuristas, lo estrépitos, explosiones, silbidos y siseos, murmullos, gorgoteos y susurros, crepitaciones, sonidos obtenidos por percusión sobre metales, maderas, pieles y piedras, voces de animales y de hombres, gritos, gemidos y risas, todo son susceptible de integrar la nueva visión y forma de la música.

La principal aportación musical en esta corriente viene de la manos del pintor futurista y compositor musical italiano Luigi Russolo quien inventó una familia de instrumentos musicales en 1913, los «INTONARUMORI» que eran generadores de ruido acústico que permitieron crear y controlar dinámicas y alturas en diferentes tipos de ruidos. (Russolo participaría la música en directo de diversas películas de cine).

Russolo, Piatti y los «Intonarumori»

El movimiento Futurista resultó ser una etapa esencial de la historia de la música muy influyente en otros estilos del S.XX. Ayudó a poner en valor una nueva cultura científica que dio origen tras ellos a nuevos instrumentos electrónicos e investigaciones científicas sobre la percepción auditiva y visual. Influyeron desde la música concreta de Schaeffer, a la música electrónica, pasando por algunos tipos de rock actuales o por las innovaciones en aleatoriedad, improvisación y tímbrica percusiva de compositores como Cage o Varèse.


Hilando con este concepto futurista en donde “Los sonidos cotidianos están integrados en la obra”, nos encontramos con el Posmodernismo, una estética musical de la segunda parte del siglo XX en la cual, según la palabras del compositor americano John Cage, “No hay musica o ruido, sino solamente sonido”. 

Ellos ponen el foco en que su época representa “el fin de los relatos y en donde ya nada se puede decir”.

Muy significativa es su obra de 1952 tituladla 4’,33’’. Una obra en donde en la partitura solo existe una única palabra, «Tacet», por la cual se indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento. Algunos teóricos de las vanguardias musicales consideran que el material sonoro de la obra lo componen los sonidos que escucha el espectador durante ese tiempo en la sala donde se interpreta.

En este mismo periodo y comenzando 1960 aparece en diversos países lo que se conoce como Música experimental cuyo fin es el de encontrar nuevos estímulos través de la música.

Encontramos 2 corriente según los medios que se utilizan para crear música:

  • Música concreta
  • Música electrónica

La Música Concreta

Surgida en Francia en los estudios de Radio Difusión Francesa (RTF) y concebida por Pierre Schaeffer junto al ingeniero Jacques Poullin y el compositor-percusionista Pierre Henry, la música concreta está fundamentada en la utilización de dispositivos tecnológicos de su época que permitieron la descontextualización de un sonido, el cual era grabado, con el fin de trabajarlo en estudio y manipularlo para dar origen a otros nuevos. 

Estos sonidos podían ser cortados, pegados, superpuestos y finalmente combinados entre ellos para dar como resultado una obra musical compleja.

En resumen, eran sonidos concretos grabados en un magnetófono y que después se modificaban en el estudio.

La herramienta principal fue la cinta magnética.

Aquí compartimos un video de la BBC que explica brevemente el proceso:

Este tipo de música concreta dio paso a lo que se denomina “música acusmática”, que no es otra cosa que música para altavoces. Es un estilo de música en donde se suprime al interprete y su imagen visual, tanto de él como de su instrumento, para dar origen aun nuevo ambiente de percepción del sonido, en el cual se suprime la imagen física para focalizar solamente al sonido.

Posteriormente y en una evolución lógica, aparecerá lo que se denomina “música mixta”, en donde se amalgaman los sonidos de un instrumentista con los electrónicos de una cinta magnética.

La música electrónica

Es aquella que utiliza instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación.

Con lo que hemos explicado con anterioridad, podemos distinguir entre:

– el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos (Telarmonio o guitarra eléctrica).

– el sonido producido mediante tecnología electrónica, que también pueden ser mezclados (Theremin, el sintetizador o el ordenador).

La diferencia principal con la música concreta es que la música electrónica está basada en la síntesis de sonidos. 

La idea era de sintetizar música desde señales producidas electrónicamente y no de grabaciones de fuentes acústicas como hicieron los franceses.

Colonia (Alemania) se convertiría, entorno a 1951, en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, en la radio de la NWDR, gracias al empuje del físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert para crear dicho estudio de creación electrónica.

Crearon un programa de música electrónica en la propia radio y estuvieron presentes en los Cursos de Verano de Darmstadt. Uno de los cursos mas influyentes de la historia de la música culta, en donde coincidieron toda una serie de compositores que revolucionaron el concepto musical tales como:

Henry Pousseur

Luchiano Berio

Pierre Boulez

John Cage

Morton Feldman

György Ligeti 

Bruno Maderna

Olivier Messiaen

Luigi Nono

Luis de Pablo

Edgard Tudor Varèse

Iannis Xenakis

No todos estos compositores utilizaron la música electrónica como herramienta para la creación sonora, pero si se convirtieron en pilares de la música en sus respectivos países.

Entre ellos encontramos notablemente a Karlheinz Stockhausen, quien formaría parte durante muchos años,  del Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia y junto a Mauricio Kagel como residentes en  Darmstadt, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del “vaguardismo» cuando se comenzó a combinar sonidos generados electrónicamente con los instrumentos tradicionales.

Algunos obras a tener en cuenta son: 

– Mixtur (1964) 

– Hymnen, dritte Region mit Orchestre (1967).

Podemos experimentar que la globalización y el consumismo operan en nuestro entorno y la música electrónica es utilizada como un bien de consumo. Aunque también debemos decir que el interés por la atonalidad y el control sonoro no manual ha resurgido gracias al mundo digital, la síntesis se sonidos por medio del software y los lenguajes informáticos de audio.

LA HERRAMIENTA DE LA MÚSICA ELECTROACÚSTICA DE FINALES DEL SIGLO XX.

En la actualidad, las DAW (Digital Audio Workstation), que podemos traducir como Estación de Trabajo de Audio digital, son sistemas electrónicos empleados para la grabación y edición de audio digital por medio de un software de edición de audio y que cuya evolución tecnológica y abaratamiento de costes a supuesto un fácil acceso a todo el mundo que lo desea a dicha tecnología y ha abierto la puerta tanto a la música electrónica como a la informática musica.

https://www.reaper.fm

Tanto a finales del S.XX como en la actualizad, la utilización de medios numéricos para la creación de sonidos dan orígenes a composiciones musicales y la utilización de nuevas sonoridades que cautivan los sentidos de forma comercial como:

House,

Techno

Acid Jazz,

Acid House,

Hip-hop,

Nurave,

Dubstep,

Y añadiría una especial mención a los «Artistas Foley» para el cine.

EL SIGLO XXI: música e inteligencia artificial.

Para cerrar este artículo, me encantaría destacar la visión musical de un extraordinario compositor español, José López-Montes, catedrático de tecnología musical en el Conservatorio Superior de Granada y su trabajo sobre «el desarrollo y generalización de técnicas de inteligencia artificial aplicadas a la composición musical», y su trabajo de máster GenoMus: «Prospección de técnicas de creatividad asistida por computadora mediante la metaprogramación de genotipos musicales».

https://www.lopezmontes.es/tiento.html

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